Museo Nacional de Arte Decorativo

En esta exposición se exhiben piezas de la colección del Museo Internacional de las Cerámicas en Faenza que muestran en su forma y decoración la relación entre la música y la cerámica y como ésta a través de los siglos ha exaltado el arte musical y sus instrumentos, vinculándolos a protagonistas bíblicos, alegóricos y otras fuentes de inspiración.

La mayólica es una cerámica con un acabado vítreo especial y se cree que su nombre deriva de la isla de Mallorca que fue durante la Edad Media un centro importante de este tipo de cerámica. En el Antiguo Egipto y en Siria ya se conocía una cerámica de acabado exterior vítreo que los árabes aprendieron de estas civilizaciones en el siglo X y que difundieron por la Península Ibérica y Sicilia de donde pasó a Italia.

Estas piezas artesanales provienen de Faenza, ciudad del norte de Italia -en la región de Emilia Romagna- célebre por sus cerámicas mayólicas de gran perfección que comenzaron a fabricarse en el siglo XII con un nivel de calidad tal que el nombre de la ciudad es actualmente sinónimo de cerámica en otros idiomas, por ej.: en francés -faïence- y en inglés-faience- en castellano fayenza. Es posible apreciar en los vasos, tinteros, albarelos o jarros de farmacia, platos, fuentes, copas con decoración de partituras, clarines y panderos, Orfeos y Apolos músicos con las líneas y los colores típicos de esta cerámica.

En la actualidad sus sesenta talleres artísticos activos muestran una vigencia que se sigue renovando con el paso del tiempo pero sin perder por ello su identidad cultural. Por lo cual en esta muestra se presentan obras de autores contemporáneos que con su diversidad de formas y brillante colorido siguen vinculando a una de las artes del fuego con la musa de la música Euterpe- que en griego es “la de buen ánimo” estado que provocará en el visitante esta reducida pero excelente muestra, patrocinada por el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires y que se suma a los festejos del Bicentenario de la Revolución de Mayo.

El Museo Nacional de Arte Decorativo presenta esta exposición itinerante de uno de los artistas alemanes contemporáneos más conocidos a nivel mundial, organizada por el Institut für Auslandsbeziehungen e.V. (ifa)/ Instituto para las Relaciones con el Extranjero a través del Instituto Goethe Buenos Aires y con el apoyo de Robert Bosch Argentina Industrial S.A.

La selección de obras de Gerhard Richter lleva el título de Sinopsis tomado de un grafico creado en 1998; Sinopsis es un cuadro explicativo en el cual fueron registrados artistas, poetas, filósofos, músicos y arquitectos significativos de acuerdo a la fecha de sus vidas, sin que ello implique una valoración subjetiva. Se destaca el hecho de que el propio Richter de 77 años, al seleccionar los trabajos para esta muestra , lleva a que se la considere una retrospectiva en las que a través de estas 27 obras introduce todas sus fases creativas, desde la pintura fotográfica de los sesenta hasta las pinturas abstractas de los 80 y 90.

Se pueden apreciar obras destacadas como el conocido ciclo 18 de octubre de 1977 en el cual trata la muerte de los miembros de la agrupación alemana terrorista RAF cumpliendo con su condena en la prisión de Stammheim; al mismo tiempo se puede ver el recuerdo de su contribución para el interior del Parlamento alemán en Berlín, en Negro, Rojo, Dorado creada en 1999. El único gran tema de los diferentes motivos, posturas estilísticas y citas históricas de Richter es la pintura cuyo lenguaje y recursos cuestiona en fases de creación aparentemente muy heterogéneas.

Acompañan esta muestra un catálogo, una película que narra el proceso creativo de una obra de Richter muy particular y que ofrece otro aspecto de su versatilidad como artista: un gran vitral en la catedral de Colonia; así como visitas guiadas. El Sr. Dietmar Elger ofrecerá una conferencia sobre la obra y trayectoria del artista. Hoy en día Gerhard Richter es, junto con Sigmar Polke y Georg Baselitz, uno de los tres artistas alemanes más conocidos a nivel mundial.

El Museo Nacional de Arte Oriental organiza una muestra sobre Budismo y representación de Buda en el Museo Nacional de Arte Decorativo, Av. del Libertador 1902, en donde se exhibirán piezas pertenecientes a su colección, provenientes de China, Japón, Corea, India y Tailandia.

El Museo Nacional de Arte Oriental, temporariamente cerrado al público, presenta parte de sus tesoros en una exposición sobre el Budismo, sus imágenes y sus prácticas. Divida en cinco secciones, en la primera se explica el concepto de Despertar. Para el budismo, el Despertar es la condición de quien ha alcanzado la Iluminación, es decir, quien conoce la verdadera naturaleza de las cosas.

La segunda sección se ocupa del Buda histórico. Siddartha Gautama, el Buda, nació en el siglo VI a. C. en un reino al norte de India. Fue hijo de un soberano perteneciente al clan Sakya. A la edad de 29 años decidió ir más allá de los muros del palacio y realizó cuatro salidas. En cada una de ellas reconoció el sufrimiento a través de distintas personas: un enfermo, un anciano, un muerto y un monje mendicante. Consecuentemente, abandonó el palacio en busca de la causa del sufrimiento. En la tercera sección se ilustran las diferentes formas de representar a Buda. Comúnmente lleva una aureola o limbo que representa su iluminación. Su vestimenta es un hábito de monje. La Ushnisha o rodete en la cabeza simboliza su gran conocimiento. En la frente, la urna o punto indica su habilidad para comprender todas las cosas. Los párpados entornados son la pureza de los pétalos de la flor de loto y la sonrisa, la serenidad.

La cuarta sección se consagra a los Bodhisattvas, seres destinados a la Iluminación que renuncian a entrar en el Nirvana hasta que todos los demás seres alcancen la Liberación.

La quinta sección, llamada Ser Budista, explica las actividades que realiza un practicante: meditación, acumulación de méritos, peregrinaciones, ofrendas, recitación de mantras, postraciones y reverencias. Dentro de esta sección podrán verse distintos altares: tibetano, japonés y coreano.

Horario:
Martes a domingos de 14 a 19 hs
Entrada: $5.- Martes entrada libre

Informes:
Museo Nacional de Arte Oriental
Av. del Libertador 1902 1º piso
C1425AAS Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Tel/ Fax 4801-5988
direccion@mnao.gov.ar

Exposición NODI ITALIANI.
Corbatas con historia.

En esta exposición organizada por el MNAD, el Instituto Italiano de Cultura y la Associazione Culturale Colosseum con el auspicio de la Embajada de Italia, se exhibe una colección de corbatas e indumentaria masculina de distintas épocas en la que este accesorio es el protagonista indispensable de la elegancia masculina.

La corbata es un instrumento de comunicación y manifestación social, es la evolución natural del pañuelo de cuello, que en otras épocas tenía una función protectora. El primer accesorio conocido del guardarropa masculino que se asemeja a la corbata se remonta a la armada imperial de Huang-Ti, soberano del Celeste Imperio que unificó China en el siglo III a.C.; otro antecedente es el focale romano, un paño que el legionario llevaba al cuello en la Roma de Augusto (27 a.C.- 19 d.C.)

El término “corbata” (antiguamente “corvatta”) se hace derivar generalmente del francés cravate, adaptación de la palabra croata hrvat ya que los pioneros de la verdadera corbata fueron los oficiales del regimiento croata de caballería ligera que llegó a Francia alrededor de 1636, como tropa mercenaria para la Guerra de los Treinta Años. Su uniforme tenía un cuello de muselina o de seda cuyas extremidades terminaban en un moño.

Del éxito de la croatta nace la corbata Steinkerque (1692): dos vueltas alrededor del cuello de un largo echarpe con las puntas de encaje, con un nudo flojo, las extremidades cruzadas y una de ellas enhebrada en el ojal del saco. Por su originalidad, la corbata fue recibida en París como un símbolo de progreso y de cultura entre la burguesía.

Ligada inicialmente al mundo político-militar, se transforma luego en el accesorio de un dandi, inspiradas por George Bryan Brummell, figura inglesa de referencia obligada en materia de elegancia masculina. En las cortes del siglo XVIII, además de los encajes blancos comienzan a aparecer lazos azules y amarillos que tenían su significado: el azul era sinónimo de nobleza, el amarillo representaba el poder. A mediados del siglo XIX la corbata roja era de los revolucionarios, negra la de los anárquicos y amarilla de los clericales pero a fines del siglo comienzan a perder su significado político.

Esta muestra presenta un recorrido ilustrado por la historia, el arte y la moda de la corbata que dejó de lado su utilidad funcional y se fue convirtiendo en un elemento de arte decorativo individual.

Visitas guiadas

Esta exposición del multipremiado diseñador gráfico alemán está organizada por el MNAD (Museo Nacional de Arte Decorativo) y la UNSAM (Universidad Nacional de San Martín). Fue presentada en Brasil entre 2007 y el 2009 en San Pablo, Brasilia, Río de Janeiro y Salvador.

Pierre Mendell nació en 1929 en Essen, y estudió diseño gráfico en la Escuela de Diseño de Basilea convirtiéndose en uno de los mayores exponentes de la escuela suiza de diseño. Falleció en Munich en diciembre de 2008.

Desde 1961 con su Studio Mendell &Oberer en Munich – que en el 2000 se transformó en Pierre Mendell Design Studio- se dedicó a desarrollar proyectos de diseño gráfico y comunicación visual con una claridad que supera cualquier barrera idiomática lograda por su gran capacidad de síntesis.
Utilizaba formas directas, colores fuertes y símbolos universales con una simplicidad que equilibra la precisión y la poesía.

Cuando le preguntaban sobre su filosofía de trabajo decía que no tenía ninguna ya que trataba de resolver los problemas de una forma pragmática, buscando soluciones simples para transmitir mejor un mensaje de comunicación en un mundo inundado de imágenes.
En sus propias palabras “Un buen afiche debe ser rápidamente visto, rápidamente comprendido y estimular la reflexión”

Esta muestra de más de 50 afiches creados por Mendell para importantes Instituciones de Alemania en los últimos 30 años está dividida en varios temas: Teatro Nacional de Baviera, Die Neue Sammlung - The International Museum Munich; otras Instituciones y temas sociales; tiene la curaduría de Bebel Abreu y de Juan Lo Bianco.

Se complementa con visitas guiadas, un video sobre la obra de Mendell, libros sobre su trabajo, catálogos de exposiciones en otros países y libretos de ópera.

En la exposición Los Talleres del Museo 2009 se exhiben los trabajos de los alumnos realizados en los distintos cursos y talleres que tienen lugar en el Museo.
Talleres de Artes Plásticas: Pintura avanzado; Dibujo y pintura intermedio; Figura Humana I y II; Pintura: técnicas mixtas; Dibujo y pintura básico; Arte en domingo; Paisajes, Pinceles y paseos.
Talleres de Artes Decorativas: Reciclado de muebles y tapicería; Vitrofusión y técnicas del vidrio; Restauración de porcelana; Arte textil.
Cursos: Historia del mueble; Historia del arte y de las artes decorativas.

El Museo Nacional de Arte Decorativo presenta esta exposición organizada por la Universidad Nacional de San Martín, la Fundación Le Corbusier de París y el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Le Corbusier comienza a escribir un libro-arte a mediados de 1947 y lo publica, en una edición limitada, en 1955 como El Poema del Ángulo Recto. Lo sentía una obra de síntesis, de recapitulación de su pensamiento e ideas en torno a la creación artística y arquitectónica. Surge casi naturalmente, como una redefinición global de la esencia misma de la geometría y de su papel en los procesos creativos y cognoscitivos.

La idea de una geometría inherente al espíritu del hombre -geometría natural- la plasma en la metáfora del ángulo recto. La perfección de éste reside en ser el resultado geométrico del encuentro de dos leyes fundamentales: la ley de gravedad que se expresa en la vertical mientras que la horizontal es el plano del suelo terrestre, la línea del horizonte, nivel en el que finalmente se estabilizan las aguas punto de equilibrio en medio del continuo cambio e inestabilidad de la naturaleza.

Le Corbusier manifestó su deseo de que el Poema llegara a un público lo más amplio posible. En cumplimiento de su voluntad, en 1989 la Fundación Le Corbusier realizó una edición facsímilar del libro. La edición castellana -2007- que se hizo para la muestra del Círculo de Bellas Artes de Madrid, respetó escrupulosamente la de la Fundación. Con esta exposición en Buenos Aires, primera vez que se exhibe fuera de Europa, se da a conocer este aspecto de la obra de uno de los hombres más creativos del siglo XX.

La muestra se complementa con la difusión del Poema electrónico que compuso en colaboración con el músico Edgar Varése para el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas en 1958. Según Le Corbusier “el Poema electrónico pretende mostrar, en el seno de un tumulto angustioso, a nuestra civilización en su camino hacia la conquista de los tiempos modernos”. También se estrenará mundialmente la Meditación Coreográfica especialmente compuesta por Oscar Araiz inspirada en El Poema del Ángulo Recto.

El Museo Nacional de Arte Decorativo con la participación excepcional del Museo del Louvre y el patrocinio de la Embajada de Francia en Argentina presenta la exposición Tesoros del Louvre. Esculturas de Houdon en la que se exhiben 19 obras del escultor francés Jean Antoine Houdon considerado el mejor de su época por la búsqueda del parecido y la sensibilidad de sus retratados.

Houdon retrató destacados personajes franceses del siglo XVIII como Diderot, Rousseau, Mirabeau, Condorcet, Voltaire. A través de Benjamín Franklin llegó a Estados Unidos de América en 1785 para retratar al entonces presidente George Washington de quien realizó, además de bustos, una escultura de cuerpo entero que se encuentra en el Capitolio de Richmond, Virginia.

No solamente se exhibirán retratos de personajes históricos de relevante actuación en sus respectivos países, sino también de familiares del artista y miembros de la nobleza francesa, así como de otros ámbitos, como el de la cantante Sophie Arnauld en el rol de Ifigenia de la ópera Ifigenia en Aulide de Gluck.

El prestigio de Houdon se mantuvo después de la Revolución Francesa, ya que esculpió los bustos de Necker, Lafayette y Napoleón.
Esta muestra permitirá al público acercarse a obras del patrimonio del Museo del Louvre captando detalles de estas esculturas realizadas por un destacado artista del neoclasicismo en Francia, exposición complementada con visitas guiadas, conferencias de especialistas y conciertos de fragmentos de óperas barrocas francesas.

La serie de vidrios franceses firmados presenta -entre otros núcleos temáticos- modelos de vidrio prensado incoloro y transparente, de fabricación en serie con imágenes de la arquitectura emblemática de París o de personajes históricos de Francia. Se pueden apreciar también algunas piezas de cristal de Baccarat, manufactura radicada desde 1764 en la localidad homónima y que tomó un mayor impulso a partir de 1816 alcanzando un gran prestigio consolidado durante las exposiciones de París de fines del siglo XIX y la de Artes Decorativas de 1925.

Inspirados por el resurgimiento de los métodos antiguos del trabajo en vidrio, los artesanos comenzaron a crear hacia 1880 nuevas propuestas en reacción a los vidrios producidos en serie. Entre 1890 y 1910 la mayoría de las creaciones se incluyen en lo que dio en llamarse art nouveau en el que se exaltaban las formas esbeltas y sinuosas, los colores exóticos y el tornasol de las superficies. En la exposición de París de 1925 surge formalmente el art déco, que busca el equilibrio entre la libertad expresiva y un retorno al orden geométrico y a la restricción ornamental.

De René Lalique, inicialmente diseñador de joyas art nouveau pero luego volcada su imaginación creativa al vidrio, se presentan piezas transparentes, opacas, pulidas y satinadas, algunas de ellas coloreadas en la masa y varias con aplicaciones en relieve. Se podrán apreciar también obras de François Emile Décorchemont; Marius Sabino, y Marcel Goupy.

Diseños italianos de fines del siglo XIX hasta vidrios de la década de 1950, que comparten con sus contemporáneos escandinavos el objetivo de la adecuación utilitaria con la silueta esbelta, completan esta colorida e importante muestra de una de las llamadas “artes del fuego”.

En esta exposición De Durero a Picasso. Cinco siglos de grabado la Academia Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional de Arte Decorativo presentan cincuenta grabados pertenecientes a una colección privada.

Se podrán apreciar obras del siglo XV, entre otras, de los alemanes Alberto Durero (Albrecht Dürer) y Lucas Cranach; del siglo XVI planchas de Lucas Vorsterman, Teodoro Bry, etc; del siglo XVII Wenzel Hollar, Claudio de Lorena (Claude Gellée Le Lorrain); del XVIII obras del alemán Georges Schmidt; del japonés Utamaro y del español Francisco de Goya y del siglo XIX trabajos de Honoré Daumier, Henri Toulouse- Lautrec y Pablo Picasso.

El proceso del grabado es artesanal: el artista trabaja en la confección de una matriz para poder trasladar al papel su obra cuantas veces desee. Según el material de la matriz difiere el procedimiento a emplear. En el grabado en hueco el grabador raspa la matriz de metal con el buril -tallado dulce- , o a punta seca, y en las tallas abiertas deposita la tinta para que con una fuerte presión se traslade luego la imagen al papel como en la obra de Alberto Durero El Hijo Pródigo entre los cerdos (1496) trabajada con buril con bordes recortados.

En el grabado en relieve el material clásico es la madera, de allí su nombre de xilografía. El artista deja en relieve las líneas de la composición y excava en la matriz los blancos de la imagen; se exhiben xilografías como El Evangelista de Lucas Cranach, el Viejo, de 1540 o la obra de Kitagawa Utamaro de 1753.

En el tallado por medio de ácidos el más clásico es el aguafuerte: el artista coloca sobre la plancha ácido rebajado con agua –aguafuerte- en las partes que desea trabajar y protege las demás con barniz. De Rembrandt H. Van Rijn, que según algunos críticos lleva al límite el aguafuerte y la punta seca, se exhibe El Gran Coppenol (1658) grabado al aguafuerte, retrabajado y retocado a la punta seca y buril.

De la serie Los Caprichos, primera serie de grabados del Francisco de Goya, compuesta por 80 aguatintas combinadas o no con aguafuertes con repaso de buril o punta seca, se exhiben el Nº 14- Qué sacrificio- y el 49- Duendecitos.

Del siglo XIX litografías a punta seca de Henri Toulouse- Lautrec; L´Argent, programme de Théatre -1893- y de 1898 Le Peintre Graveur Charles Maurin y Tristan Bernard y la litografía de Pablo Picasso Peintre et son modele IIde 1964.

Esta exposición no es sólo una variada secuencia histórica, sino también un homenaje a los artistas grabadores y a su mundo , a la vez que permite ver la evolución de las imágenes y técnicas del grabado entre los siglos XV y XX.

En esta exposición Los Arcanos en seda se exhiben una serie de tapices inspirados en los Arcanos recreados por Silke, artista plástica multidisciplinaria.

La palabra arcano significa conocimiento secreto; la llave secreta que permitía comprender el “para qué” del camino que se transita por la vida.
En muchas culturas antiguas encontramos los Arcanos expresados en imágenes simbólicas según cada cosmovisión. Para el psicoanalista suizo Carl Gustav Jung son imágenes arquetípicas -imágenes oníricas y fantasías universales- que están presentes en distintas religiones, mitos, leyendas, etc-.

Los Grandes Arcanos o Arcanos Mayores como El Mago, La Suma Sacerdotisa; El Sumo Sacerdote; El Juicio, La Torre, etc. –que aparecen en el Tarot- son reinterpretados a partir de la vivencia profunda que estos simbolismos producen en Silke y son plasmados en una colorida y llamativa exhibición de 22 tapices que forman parte de la 5ª Bienal de Arte Textil que se desarrolla en la Ciudad de Buenos Aires

En el marco de la 5ª Bienal Internacional de Arte Textil, que se llevará a cabo simultáneamente en varios museos y centros culturales de Buenos Aires, evento organizado por World Textile Art de Miami entidad que desde hace doce años se dedica a presentar Bienales en distintas ciudades con el objeto de alentar y promover las expresiones contemporáneas del arte textil de Latinoamérica, el MNAD presenta la exposición Tramas contemporáneas.

La diversidad de propuestas técnicas y de repertorios temáticos queda muy bien expresado en la obra de las ocho artistas que presentan sus obras en nuestro Museo: Isabel Polikowski Ditone, Rosa Arena, Virginia González, Sabina Wicki, Mirta Zak, Ana Zlatkes, Flora Sutton y Laura Ferrando. Cada una de ellas ha sabido crear formas nuevas con imágenes y contenidos cargados de estética contemporánea.

Además de las propuestas de estas artistas se podrán apreciar los tapices europeos medievales y renacentistas de nuestro patrimonio, expuestos en el Gran Hall de la Planta Principal y en la Galería de los Tapices del Primer Piso y se podrá visitar la exposición Los Arcanos en Seda con tapices realizados por la artista plástica Silke.

Exhibición de los trabajos realizados por los alumnos de los distintos Talleres que se llevan a cabo en el MNAD.

Talleres de: Alfombras de arraiolos, Arte textil, Arte en Domingo: dibujo y pintura, Figura humana I y II, Pintura: nivel básico - intermedio - avanzado, Pintura: técnicas mixtas, Reciclado de muebles y tapicería, Restauración de porcelana, Vitrofusión y técnicas del vidrio.

También se proyectará un power point del Curso anual Historia del Mueble.

EXPOSICIÓN COLECCIONABLES Y COLECCIONISTAS | EDICIÓN 2008

26 de Setiembre – 23 de Noviembre

Esta exposición, organizada por el Museo Nacional de Arte Decorativo y la Asociación Amigos del Museo, tiene como finalidad estimular en el público la apreciación de los objetos de artes decorativas cuya belleza radica tanto en la armonía de las formas como en su integración con el entorno.

El Museo Nacional de Arte Decorativo presentará carnets de baile que pertenecieron a la colección de doña Josefina de Alvear de Errázuriz, antigua dueña de la residencia; y de la colección Torre Bertucci perfumeros de cartera ingleses y franceses del siglo XIX, relojes de bolsillo franceses y suizos del siglo XIX piezas que actualmente son patrimonio del Museo.

Las colecciones privadas estarán presentes con: abanicos antiguos; péndulos franceses de bronce de los siglos XVIII al XX; figuras de monos de porcelana Meissen del siglo XIX; piedras duras de origen chino; tallas de marfil del Buen Pastor y de Cristo realizadas en Goa (India) en los siglos XVII y XVIII; cernidores de plata francesa e inglesa; barcos de juguete de la primera mitad del siglo XX, antiguas herramientas de ebanistería y flippers o pinballs de las décadas de los ’60, ’70 y 80.

Como en el año 2006, se presentarán las colecciones ganadoras del Concurso “Premio MNAD al coleccionismo – edición 2008”

La muestra se complementará con un ciclo de conferencias y visitas guiadas que enriquecerán la apreciación de la misma.

RESULTADOS DEL CONCURSO PREMIO MNAD AL COLECCIONISMO - Edición 2008:

Categoría A (hasta 39 años al 15 de agosto de 2008):

Primer premio:

Pablo Eduardo Massolo, 32 años, Colección de Cascos…

Categoría B (a partir de los 40 años)

Primer premio:

Raúl Horacio Álvarez: Colección de tapas de discos LP de vinilo, de 33 rpm.

En esta categoría, y en atención a la calidad de las colecciones presentadas, el Jurado decide otorgar Menciones honoríficas a:

Pedro L. Baliña, Colección de calientapiés de cerámica.
Darío Isaac Roitman, Colección de sellos para lacre.

Agradecemos la participación de los coleccionistas que con gran entusiasmo acompañaron esta propuesta y compartieron su historia y sus tesoros con nosotros. ¡Hasta la próxima edición!

LA ERA DE RODIN
12 de Julio a 16 de Setiembre.

Esta exposición itinerante de escultura francesa del siglo XIX incluye obras de Auguste Rodin, de Louis Ernest Barrias, Emile-Antoine Bourdelle, Jean Baptiste Carpeaux, Albert Ernest Carrier-Belleuse, Camille Claudel, Charles Cordier, Alexandre Falguière, Jean León Gerôme, Hiram Powers, Pierre Auguste Renoir, etc pertenecientes al Museo Soumaya de la Fundación Slim , de México, algunas piezas al Museo de Arte de Ponce (MAP) de Puerto Rico, además de dos obras del Museo Nacional de Arte Decorativo.

Recorriendo las obras de Rodin, de sus maestros y de sus discípulos, se toma conciencia de la fuerza revitalizadora que supieron imprimir a sus creaciones y cómo, a pesar de las críticas de su tiempo, fueron capaces de trascender las fronteras temporales y geográficas. Como la mayoría de los escultores del siglo XIX, Auguste Rodin (1840-1917) era un magistral modelador de arcilla y dirigió el más importante taller de escultura integrado, entre otros, por modeladores, encargados de la elaboración de yesos para los vaciados en bronce, por pasadores que tallaban los mármoles a un nivel próximo al terminado y otros colaboradores que realizaban las versiones en diferentes tamaños de su obra. Además, Rodin hizo fundir sus obras por los más renombrados broncistas de su época.

En su testamento lega la vasta experiencia adquirida:

...”Jóvenes que quieren ser oficiantes de la belleza, quizás les guste encontrar aquí el resumen de una larga experiencia.....Al modelar, jamás piensen en superficie sino en relieve. Que su espíritu conciba toda superficie como la extremidad de un volumen que lo empuja por detrás. Imaginen las formas como levantándose hacia ustedes. Toda vida surge de un centro, luego germina y se expande de adentro hacia afuera. De la misma manera, en la escultura bella se adivina siempre un poderoso impulso interior...

Al recorrer esta notable muestra organizada desde el Museo Soumaya y al participar del nutrido programa de extensión cultural que la complementa, se pondrán en evidencia estas emociones enriquecedoras para el público visitante.

Visitas Guiadas:
Martes a Domingos 16 y 17,30 hs.

MARCIAL BERRO
Diseños
Objetos de Deseo

1 º de Agosto – 14 de Septiembre

En esta exposición podremos apreciar la calidad de los trabajos realizados por este diseñador argentino, nacido en La Plata.

En 1970, Berro después de haber incursionado en Buenos Aires en otras actividades artísticas: actuación en teleteatros, y en el Instituto Di Tella. Se afincó temporalmente en Nueva York, decidido a diseñar alhajas con plata y piedras semipreciosas; Andy Warhol fue el primero en comprar sus creaciones.

A partir de 1980, ya en París, estudió las modas del pasado y se dedicó casi exclusivamente a diseñar para nombres prestigiosos como Yves Saint-Laurent o Karl Lagerffeld.

Él combina en una joya, lo serio y lo frívolo; despierta en la imaginación la idea de un texto, de una novela, o de una aventura. Para este diseñador no hay jerarquías en los materiales ya que todos son nobles: el cuero, el zinc, el plástico, el cuero, el plomo; lo que los diferencia es la idea de su realización.

Paulatinamente se dedica también a la realización artesanal de objetos y de muebles. Sus muestras de alhajas, muebles, u ornamentos de gran formato que incluyen espejos, se han llevado a cabo en prestigiosas galerías de arte y en el Centro Pompidou. A fines de la década del 80 realizó trabajos en cristal y plata para vajillas y utensilios de lujo de la manufactura de cristales Baccarat.

En esta muestra se podrán apreciar sus magníficos diseños en los más variados materiales y para diversos usos llevados a cabo por los mejores artesanos.

Vida y obra de Sándor Márai
10 al 16/6

Exposición gráfica de la vida del periodista y escritor húngaro del siglo XX.
Sándor Márai (1900-1989), durante la década de 1930, adquirió un gran prestigio por su prosa de estilo realista que lo llevó a ser equiparado con Thomas Mann y Stefan Zweig. Después de la ocupación soviética de Hungría, abandonó su país en 1948 y se instaló en EE.UU. En sus novelas analiza la decadencia de la burguesía húngara:Divorcio en Buda, El último encuentro, La herencia de Eszter. Además de sus novelas escribió libros de memorias que retratan las convulsiones sufridas en Hungría durante la Primera Guerra- Confesiones de un burgués- o con las invasiones nazi y luego soviética en !Tierra, tierra! Se suicidó en San Francisco, California, en 1989.

Desde el 14 de Abril se encuentra en exhibición la muestra Motos Clásicas 1900-1950, selección de 30 motos de colección cuyos modelos se produjeron entre los años 1904 y 1950.

Fiesta Barroca en Italia. Trajes cortesanos del Siglo XVII.
18/3 al 25/5

La exposición que se exhibirá desde el 18 de Marzo al 25 de Mayo, fue organizada en forma conjunta con la Embajada de Italia y el Instituto Italiano de Cultura y se propone revivir un fastuoso momento del pasado.

Los suntuosos vestidos de ceremonia para las grandes fiestas en las Cortes italianas y los elementos decorativos creados para esas ocasiones fueron recreados por King Studio de Italia, en un proyecto que nació en 1989 para impactar, emocionar y maravillar al público de hoy, tal como sucedía con los huéspedes nobles y protagonistas de las fiestas de la corte en esa época.

El cuadro de F. Gagliardi y F.Lauri ”Carosello a Palacio Barberini in onore di Cristina di Svezia” , actualmente en el Museo de Roma, representa el festejo realizado en homenaje a la Reina Cristina de Suecia durante el carnaval de 1656. Este ejemplo típico de fiesta barroca fue la idea base sobre la que se desarrolló esta recreación.

La fiesta en la Corte, con sus ingresos triunfales, escenas alegóricas, danzas, torneos y desfiles con trajes, representaba un momento muy complejo de la cultura del período Barroco - principios del siglo XVII a mediados del siglo XVIII

El lento andar de los jóvenes nobles elegidos por sorteo para sostener el baldaquín que destacaba al huésped de la fiesta, las damas nobles con sus vestidos suntuosos, los representantes del clero, la esposa del anfitrión con su traje de ceremonia (con inmensa falda y cola), el grupo de bailarinas con sus deslumbrantes ropas de actuación y los caballeros en sus caballos adornados con lujo, configuraban un espectáculo grandioso ayer y que hoy , en parte, podemos vislumbrar recorriendo esta muy interesante exposición.

Visitas guiadas: (A partir del 25/3) | Trajes de Fiestas Barrocas
Martes a Domingos 17,30 hs.

Horarios: Martes a domingos 14 a 19 hs.
Martes entrada libre

Viernes Santo cerrado

Lucrecia Moyano - Vidrios Diseño Argentino 1950 | Colección del Museo
4 de Diciembre 2007 - 9 de Marzo 2008

Esta artista, que incursionó tanto en el diseño del vidrio como en el de las alfombras, siempre proyectó su visión vanguardista independientemente del material al que se dedicara.
Compartió el mundo brillante de la cultura argentina de la época de Butler, Basaldúa, de las Ocampo, de Borges. En esa época produce obras llenas de cualidad mágicas: brillos, transparencias y opacidades ; si bien sobresale el elemento decorativo también aparece el objeto práctico como jarras y vasos.

El vidrio hace 5000 años que acompaña al hombre; apareció en la Mesopotamia y sus primeros recipientes datan del 1500 a. C. Durante mucho tiempo fue un objeto de gran lujo . Antes cada recipiente se moldeaba en torno a un centro de adobe o de arena que se recubría de vidrio, hasta que en siglo I los fenicios descubren la caña de soplar que se usa hasta la actualidad. Los venecianos del siglo XII inventan el cristal, lograron decolorar el vidrio, hacerlo translúcido y transparente. La República encierró a los artesanos en la isla de Murano para preservar ese secreto; algunos lograron eludir el cerco y se instalaron en Bohemia, Francia, Holanda y empezó así la producción del vidrio en estos lugares .En Inglaterra George Ravenscroft incorpora el plomo a la mezcla y con ello consigue el vidrio completamente transparente, brillante y cristalino
Con la industrialización de los modos de producción de principios del siglo XIX el operario industrial reemplaza al artesano vidriero, cuya técnica de soplado de vidrio va quedando relegada. En el siglo XX, se destacan Emile Gallé, Louis Confort Tiffany y René Lalique que como artistas, diseñadores y propietarios de sus propias fábricas lograron piezas de maravillosa factura.

Pero el soplado del vidrio por el propio artista fue realizado por pocos , entre ellos Sala y Marinot (Maurice) en París. Marinot fue un artista que viniendo de la disciplina de la pintura, incursiona en el vidrio en forma completa llegando a dominar la técnica en todos sus aspectos.

La influencia de Marinot sobre Lucrecia Moyano es importante. Ella ingresa a trabajar en Rigolleau, habiendo estudiado pintura pero autodidacta en vidrios.Rigolleau surge en 1882 fundada por León Rigolleau que había creado en Angulema, Francia, una fábrica de vidrio para realizar tinteros .Su hijo Gastón Fourvel Rigolleau creó la fábrica de vidrio en la Argentina ;en 1906 la instala en Berazategui y su hijo León Fourvel Rigolleau crea en 1932 la sección artística y nombra en 1934 a Lucrecia Moyano como Directora Artística.

También fue la primera diseñadora de alfombras de vanguardia en nuestro país siendo Diseñadora Artística de Dándolo y Primi, 20 años después de haberlo sido en Rigolleau , incursionando también en el diseño de mobiliario e interiores. El MNAD tiene más de 80 vidrios de Lucrecia Moyano que permitirán apreciar en toda su dimensión la calidad de esta artista excepcional.

Carminne Dodero
Historias de Moda | Trajes de época. 1917-1937

27/10 al 13/11

El tema central de esta exposición será el vestuario del período 1917-1937. Se exhibirán prendas y accesorios de hombre, mujer y niño, de colecciones particulares diseñados por Elsa Schiaparelli, Maison Lanvin, Paul Poiret, Mme. Jeanne Paquin, Maison Lucien Lelong, Maison Chanel, Maison Hermès y Cartier de Paris y Henriette de Buenos Aires. También se verán libreas y uniformes de casas particulares porteñas confeccionados por Belle Jardinière - Paris.

Dibujos de arquitectura histórica alemana

24/10/07 hasta el 18/11/07

Pablo de la Riestra es desde hace años docente de la Universidad de Heidelberg y profesor invitado de la Universidad Nacional de Rosario y de la Universidad de Sao Pablo.
Su especialidad es la historia de la arquitectura alemana, en particular el gótico.
Su actividad como historiador estuvo ,desde un comienzo ,acompañada por las disciplinas dibujo y fotografía, entendidas como parte integrante de la arquitectura.

Cabezas Argentinas. Colección del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata

21 de Septiembre al 21 de Octubre

Los veinte retratos en bronce que se exhiben son obra de prestigiosos escultores argentinos que nacieron, en su mayoría, a fines del siglo XIX y trabajaron en la primera mitad del siglo XX. El conjunto resultante despliega un amplio espectro de fisonomías y caracteres y posee un singular interés iconográfico, artístico y documental.

La contribución alemana- 1948-1963
14 de Septiembre al 14 de Octubre

Esta muestra del Instituto para las Relaciones con el Extranjero /Alemania (IfA) y del Goethe-Institut de Buenos Aires, presenta 165 trabajos de fotógrafos alemanes como Otto Steinert, Monika von Bach, Hermann Claasen, Robert Häusser, Peter Keetmna, Adolf Lazi, Herbert List, Stefan Moses, entre otros.

El término fotografía subjetiva fue utilizado por Otto Steinert como fórmula para caracterizar las exposiciones que él organizó en los años 1951, 1954/55 y 1958. Se refería, específicamente a un tipo de fotografía contemporánea en blanco y negro, que privilegiaba la forma sobre el contenido.Lo contraponía a la "fotografía ortodoxa" que definía como objetiva y dedicada a la reproducción de imágenes genuinas de los objetos fotografiados.

Lo de subjetivo está asociado con un retorno a la "nueva fotografía" introducida en 1930 por fotógrafos de la Bauhaus y pioneros de la fotografía experimental que fue calificada como "arte degenerado" en 1933 al asumir el poder el nacionalsocialismo.

4 SIGLOS DE ILUSIONISMO, HISTORIA GRAFICA Y VISUAL DE LA MAGIA, COLECCION PACHECO

8 de Junio – 5 de Agosto

Durante siglos el Arte de la Magia ha evolucionado desde las supercherías y trucos realizados por brujos hasta los más sofisticados actos escénicos actuales.

La magia moderna surge en el siglo XIX con el francés Robert Houdin quien fue inspiración para Harry Houdini cuyo nombre artístico significa “como Houdin” un tributo al que consideraba el mago más grande de la época.

El período entre fines del siglo XIX y principios del siglo XX es considerado la “Era de Oro” de la magia de escenario; los grandes exponentes del Arte de la Magia, con un fuerte espíritu de competencia entre ellos, recorrían el mundo con sus ilusiones, asistentes y escenografías.

La Colección Pacheco de objetos de magia incluye piezas únicas como el primer libro editado en inglés de 1584 y el primero en castellano del año 1733 además de 300 posters litográficos, diseñados y editados entre 1890 y 1950, de los que se exhibe una selección, así como obras de Jules Chéret, padre del poster moderno.

Esta exposición, inédita ya que nunca se ha exhibido públicamente, es una historia gráfica y visual de la magia: afiches, programas, aparatos, juguetes, libros, manuales y cajas de magia a la vez que un tributo al eximio Fu Manchú.

18 de Abril – 27 de Mayo

Esta exposición muestra la cultura tradicional croata a través de objetos seleccionados en museos etnográficos y otros museos afines, reunidos desde fines del siglo XIX y durante todo el siglo XX: trajes típicos y elementos textiles, objetos caseros, manualidades, armas de adorno, joyas, juguetes, instrumentos musicales, etc.

En esta muestra están representadas las cuatro regiones de Croacia: la región costera, la montañosa, la central y la región llana que se diferencian entre sí no solamente por sus características naturales sino que se distinguen por las influencias que han recibido del mundo mediterráneo, de los Balcanes y del centro de Europa además de lo que tomaron de los antiguos habitantes no eslavos.

Cada una de estas áreas está representada en la exposición en forma separada por la disposición de los objetos expuestos, las fotografías y las proyecciones de video.

Esta gran variedad no divide la cultura tradicional croata sino que por el contrario demuestra la capacidad de este pueblo para responder creativamente a las distintas influencias.

Obras de Clara Díaz
6 de Febrero al 25 de Marzo

En la que se exhibirán las alfombras realizadas por la artesana cordobesa Clara Díaz, según la técnica de bordo palabra que significa montículo o elevación.

Tuvieron en su origen dos destinos: cubrir los estrados donde se reunían las mujeres a conversar y a efectuar sus labores, y el de cubrir también los pisos cercanos a los altares ofreciendo no sólo su calidez sino también protección para las rodillas de los fieles.

En América virreinal su uso refleja el interés por imitar el estilo y la forma de vida europea; al gusto hispano-árabe por las alfombras y tapices se suma una fuerte tradición textil prehispánica. A partir del siglo XVII, sobre las decoraciones geométricas aparecieron motivos florales y ornitológicos americanos y se desarrolló así un estilo barroco mestizo alrededor de la zona cuzqueña que fue descendiendo luego hacia el sur hasta el centro de Córdoba, núcleo de la economía jesuítica y de la producción lanera de esa época.

Desde su casa de Maza Sacate, al oeste de Ischilín, Clara Díaz nos permite apreciar en los 24 tapices de piso, tejidos en relieve con aguja fina, la maestría tradicional de un oficio que pasó de los claustros a los hogares. Sobre el soporte del canavá o la arpillera recorta en papel de diario y ubica las flores, mariposas, pájaros, tigres, etc. trabajando el fondo en punto cruz para luego bordar en relieve, mezclando los colores y enmarcando los motivos del “bordo” específico en diámetros que oscilan entre 4 y 6 m2 en los que podemos apreciar toda su fértil imaginación

1º AL 17 DE DICIEMBRE

- Exhibición del Libro de Horas de la Virgen- Manuscrito sobre pergamino . Taller del Maestro Francois, París Francia. Siglo XV.

El Libro de Horas es un manuscrito de oraciones religiosas que los cristianos de la Edad Media y del Renacimiento practicaban, en forma privada, en determinadas horas del día para alabar a Dios.
Eran usados por la nobleza, atesorados en las bibliotecas y mencionados en los testamentos.Eran obsequiados a las novias como presente matrimonial y quedaron identificados con el mundo femenino. Obras de arte símbolo de estatus en su momento hoy son piezas de colección.Fué comprado en París, en 1911 por Dn. Matías Errázuriz.

- Exhibición de mesas decoradas con motivos navideños presentadas por el Centro de Pintores sobre Porcelana.

- PROGRAMA DE COROS NAVIDEÑA 2006 - 18 Hs. Entrada libre y gratuita
Bono contribución voluntario

Viernes 1 - Coro del ´99
Director Maestro Néstor Andrenacci

Sábado 2 - Coro Juvenil de San Justo
Directora Maestra Silvia Leonor Francese

Domingo 3 - Coral Pilar - St. John’s
Director Maestro Rodolfo Diorio

Jueves 7 - Coro Cantando en Sol
Directora Maestra María Constanza Fautario

Viernes 8 - Coro Polifónico Asociación de Médicos del Hospital Italiano
Directora Maestra Marta Monteleone

Sábado 9 - Coro Juvenil de la Municipalidad de Hurlingham - Coro Estable de la Municipalidad de Hurlingham
Director Maestro Diego Alfredo Perez

Domingo 10 - Collegium Musicum
Directora Maestra Silvia Pérez Monsalve

Jueves 14 - Coro Nacional de Niños
Directora Maestra Vilma Gorini de Teseo

Viernes 15 - Coro Buenos Ayres Consort
Director Maestro Pablo Banchi

Sábado 16 - Coro de la Fac. de Farm. y Bioq. de la UBA
Director Maestro Federico Giribone

Domingo 17 - Coro Nacional de Jóvenes
Director Maestro Néstor Zadoff


Folio del Libro de Horas de la Virgen. Francia, Siglo XV

21 AL 26 DE NOVIEMBRE

en la que se exhibirán los trabajos realizados por los alumnos que asisten a los talleres anuales que tienen lugar en el MNAD:
Arte en Telar; Arte en domingo: dibujo y pintura; Dibujo, tintas y pastel; Dibujo y pintura :nivel básico- intermedio ; Pintura nivel avanzado;Dibujo de Figura Humana (con modelo vivo); Marquetería; Reciclado de muebles y tapicería; Restauración de porcelana; Vitrofusión, vitral y mosaico.

Desde el 22 de Setiembre al 12 de Noviembre

Exposición compuesta por 200 piezas de vidrio y cristal representativas del diseño artístico e industrial sueco correspondientes a la década de 1950 realizadas en manufacturas que se encuentran al sur de Suecia, en el llamado Reino de Cristal (Glasriket):Orrefors, Kosta, Boda, Johansfors, Flygsfors, Pukeberg, Reijmyre, Gullaskruf, Strömbergshyttan, Skruf y Ekenäs.

También se exhibirá, por primera vez, el servicio de mesa para una persona perteneciente al banquete que se ofrece con motivo de la entrega de los Premios Nobel en Estocolmo. El servicio de mesa Nobel fue creado y producido especialmente para celebrar el 90 aniversario de los Premios Nobel en 1991 y se concibe a partir de cuatro temas: los primeros cuatro premios Nobel -Física, Química, Medicina y Literatura-; las cuatro estaciones del año; los cuatro continentes enunciados por los primeros geógrafos y las cuatro formas básicas
de la geometría.

Las piezas de vidrio y cristal fueron donadas al MNAD, por la Embajada del Reino de Suecia en 1959 y el servicio de mesa Nobel en el 2001.

Esta exposición contará con visitas guiadas, conferencias y un catálogo.

17 de Mayo – 2 de Julio

Estas cerámicas fueron coleccionadas en Paris por el artista plástico Joaquín Molina

Obras de Emile Gallé, Lucien Lévy-Dhurmer, Clément Massier, Agnès de Frumerie, Aimè-Jules Dalou, Hector Lemaire, Alexandre Bigot con los vasos de Jean Mayodon, Emile Decoeur, Jacques Lenoble, Pierre Adrien Dalpayrat, Auguste Delaherche; Edmond Lachanal, André Metthey, Robert Lallement, Jean Besnard, Camille Tahraud que conforman un conjunto de notable valor artístico , a la vez que significativo, del período Art Nouveau y Art Déco.

12 de Abril - 7 de Mayo

Organizado en forma conjunta con la Embajada de Italia - Instituto Italiano de Cultura. Muestra de un conjunto de 26 piezas de seda que provienen de la colección del Museo de Arte Textil, MAT, que tiene su sede en el Castillo de Sartirana, provincia de Pavía. Este conjunto ilustra una parte de la producción textil del área de Venecia del siglo XVIII, a la vez que pone de manifiesto el alto nivel de conocimiento técnico-artesanal de este sector. El arte textil de la zona de Venecia, durante los siglos XIV, XV y XVI era famoso por la calidad extraordinaria de sus sedas, pero en el transcurso del siglo XVIII Francia empieza su apogeo y posteriormente Inglaterra adquiere un rol preponderante.

29 de Marzo - 30 de Abril

Exposición de 20 fotografías realizadas durante el año 2005 por Yayo Montoreano. En los paisajes, su especialidad, trata de introducir al espectador en una atmósfera con vibración, casi impresionista. Para lograr una mayor textura utiliza como método de impresión el giclée, soporte de impresión que aumenta el grano y la textura d e la reproducción final. Ha realizado numerosas exposiciones en salones de arte, galerías y teatros y ha recibido importantes premios.

8 de Marzo – 2 de Abril

Recorrido a través de cinco siglos de historia, de diseño y de creatividad relacionados con un aspecto de la indumentaria del que resulta casi imposible dar una fecha cierta de nacimiento, tan lejano es su origen, al punto que podemos afirmar que hace su aparición en el mundo junto con el Homo Sapiens. Las sandalias fueron el primer tipo de calzado producido manualmente por el hombre y todas las civilizaciones han dado su propia versión, egipcios, asirios, persas, fenicios usaban sandalias con suelas de hoja vegetal sostenidas por tiras. Las antiguas ojotas vieron la luz en Oriente y también las usaron los pueblos precolombinos. La diversidad climática, el tipo de uso, los materiales disponibles marcan las variantes regionales y temporales y permiten reconocer algunas modas p. e. en el siglo XVI las damas europeas usan pantuflas de cuero o tela bordada, en Venecia usan altas suelas para aislar los pies del agua de las calles y, desde la boda de Catalina de Medici, se ponen de moda en Francia los zapatos con taco. En el siglo XVII el calzado femenino se diferencia marcadamente del masculino y las botas se asocian al uniforme militar. Desde el siglo XX la industria del calzado acompaña las tendencias culturales, artísticas y sociales que el mundo ofrece. El estilo italiano es fruto de una civilización antigua que se funda en el arte, la cultura, el artesanado y la habilidad manual. El calzado italiano es obra de alta artesanía ya que, en algunos casos, la creación de un par de zapatos lleva más de doscientas fases de elaboración.